"HERMETICA" 2018 | Film

"HERMETICA" 2018 | FILM by Leyla Rodriguez

HD | 05:15 Min. | Color | Stereo
Argentina, Germany, Peru and USA

The film Hermetica, completed in 2018, is the most recently concluded part of a series of six short films produced by Leyla Rodriguez between 2015 and 2018. The films are closely intertwined thematically, and also on a visual and musical level. They do not, however, have to be viewed in chronological order or even together in order for them to unfold their narrative potential.
Hermetica begins with a sequence (typical for Rodriguez’s films) that moves between melancholy, euphoria and aesthetic observations. Various shots of a helicopter and a flying pair of birds against the backdrop of a distant hazy townscape are shown while the artist’s aunt sings Wanderer’s Nightsong by J.W. v. Goethe, set to music by Franz Schubert, with an unsteady voice. The images are composed in such a way that we get the impression the birds and the helicopter are part of their own choreography, set in front of a bright blue sky. Apart from the singing there is no sound, so that the focus lies on the helicopter’s flight and the regular movements of its rotor blades. The expectation that we will hear the sound of a propeller getting louder is not met. As a result the movements of the helicopter, in their silence, develop an analogy to the dancing convergence and divergence of the birds.
The sequence pans to a vegetated elevation outside of the town atop which stands the artist, shrouded in a folkloric tablecloth, gazing at the departing helicopter that is now making a chopping sound. In this very brief take the film develops complex self-referential moments. The viewpoint of the observer is suggested, as are inferences about the origin of the preceding film footage, revealing many layers of illusion and of the production of images.
Initiated in an abrupt transition a barely noticeable time-lapse sequence of a trip through a green forest begins, revealing, seen slightly from below, a dense network of conifers reaching towards the sky. The choice of shot is reminiscent of depictions in the ‘frog perspective’ of the early 1920s. In this case, however, the focus is more on a romantic depiction of nature as a healing and intact place of refuge. This impression is further heightened by the use of powerful accompanying piano music played by the artist’s grandmother. During the middle section of the film there is a series of overlapping images of various animals and people in different spatial configurations. It is almost impossible here to focus on details, leading to the impression of a summary that reaches no conclusion but creates an infinite cycle in an affirmative gesture. Finally the forest is depicted again as a kind of framing entity, while Beethoven’s world-famous For Elise is performed on the piano.
While the music continues Hermetica ends in a sequence that shows a figure on the beach dressed in a pink hat, a dark, embroidered mask and a tight silver jacket over the shoulders and arms. The figure could be seen in brief insertions earlier in the film, depicted with a large inflatable globe, which she held above her head, mirroring the Atlas mythology. Now she sits alternately in front of and inside a hut made of bleached driftwood. The trunks have not been sawn into boards, but look like a continuation and aged version of the forest. Images of two oil paintings in a museum are superimposed at the same time. The one painting depicts a gnarled, overhanging tree, the other a small timber cottage in a mountainous landscape. In structure and composition the two pictures enter into a visual bond with the hut on the beach. But at the same time a discrepancy becomes clear, which determines the paintings in the museum as part of civic order, while the hut on the beach, its creation and use remain unanswered.
In the last take the figure finally lies down at the edge of the surf in a somewhat awkward fashion, as if she had completed something that occupied her for a long time. Rodriguez again picks up on the subjects of identity, family, flight and homelessness here, which in her view are closely connected, and refers to their parallel existence in a present-day context.

Der 2018 fertiggestellte Film Hermetica bildet den vorletzten abgeschlossenen Teil einer Reihe von insgesamt sieben Kurzfilmen, die Leyla Rodriguez von 2015–2018 umgesetzt hat. Auf einer inhaltlichen, bildlichen und musikalischen Ebene greifen die Filme engineinander, dabei müssen sie jedoch nicht chronologisch oder zusammenhängend rezipiert werden um ihr narratives Potenzial zu entfalten.

Hermetica beginnt mit einer (für Rodrigues Filme typischen) zwischen Melancholie, Euphorie und ästhetischen Beobachtungen changierenden Sequenz. Während im Hintergrund die Tante der Künstlerin mit unsichere Stimme Wanders Nachtlied von J.W. v. Goethe komponiert von Franz Schubert singt werden verschiedene Einstellungen eines Hubschraubers und einem fliegenden Vogelpaar vor einer in der Ferne liegenden dunstigen Stadtlandschaft gezeigt. Die Bilder sind so komponiert, dass der Eindruck entsteht, Vögel und Hubschrauber wären vor einem strahlend blauen Himmel Teil einer eigenen Choreografie. Bis auf den anhaltenden Gesang gibt es dabei keinen Ton, so dass der Fokus auf dem Flug des Hubschraubers und den gleichmäßigen Bewegungen seiner Rotorenblätter liegt. Die Erwartung eins lauterwerdenden Proppelergeräuschs wird nicht eingelöst und so entwickeln die Bewegungen des Hubschraubers in ihrer Lautlosigkeit eine Analogie zu dem tanzenden Zusammen- und Außeinanderdriften der Vögel.

Die Sequenz schwenkt auf eine bewachsene Anhöhe außerhalb der Stadt, auf der die Künstlerin, in ein folkloristisches Tischtusch vermummt, steht und dem sich entfernenden nun knatternden Hubschrauber hinterherblickt. In dieser nur sehr kurzen Einstellung entwickelt der Film vielschichtige selbstreferenzielle Momente. So werden ein Betrachterstandpunkt und Rückschlüsse auf die Entstehung der zuvor gegangenen filmischen Aufnahmen suggeriert und offenbaren vielschichtige Ebenen von Illusion und der Produktion von Bildern.

In einem abgerissenen Übergang beginnt in kaum merklicher Zeitraffer eine Fahrt durch einen grünen Wald und zeigt aus einer leichten Untersicht dichtgewachsene sich in den Himmel erstreckende Tannen. Die Wahl der Einstellung erinnert an Darstellungen in der sogenannten Froschperspektive der frühen 1920er Jahre. Jedoch liegt der Fokus hier vielmehr auf einem romantischen Bild von Natur als heilendem und intaktem Rückzugsort. Der Eindruck wird verstärkt durch eine begleitende kraftvolle Melodie auf dem Klavier, gespielt von der Großmutter der Künstlerin. Im Mittelteil des Filmes folgt eine Reihe sich überlagernder Bilder, verschiedener Tiere und Personen in unterschiedlichen räumlichen Konstellationen. Dabei ist es kaum möglich Einzelheiten zu fokussieren und es entsteht der Eindruck einer Zusammenfassung, die zu keinem Ende kommt und in einer bejahenden Geste einen unendlichen Kreislauf entwirft. Als eine Art rahmende Einheit wird anschließend wieder der Wald gezeigt und auf dem Klavier Beethovens weltberühmtes Stück Für Elise gespielt.

Während die Musik fortläuft endet Hermetica mit einer Sequenz, die eine Gestalt, bekleidet mit einem pinken Hut, einer dunklen bestickten Maske und einem engen silbernen Rock über Schultern und Armen am Strand zeigt. Zuvor war sie bereits in kurzen Einschüben mit einer großen aufblasbaren Weltkugel zu sehen, die sie in der Mythologie des Atlas über ihrem Kopf empor hielt. Nun sitzt sie abwechselnd vor und in einer Hütte aus verblichenem Treibholz. Die Stämme sind nicht in Bretter zersägt worden und erscheinen wie eine Fortsetzung und gealterte Version des Waldes. Parallel werden Bilder zweier Ölgemälde in einem Museum eingeblendet. Das eine zeigt einen knorrigen ausladenden Baum, das andere eine kleine Holzkate in einer bergigen Landschaft. In Struktur und Beschaffenheit gehen die beiden Darstellungen eine visuelle Verbindung mit der Hütte am Strand ein. Im selben Moment wird jedoch eine Diskrepanz deutlich, die die Malereien im Museum als Teil einer bürgerlichen Ordnung festlegt, während die Hütte am Strand, ihre Entstehung und Nutzung unbeantwortet bleibt.

In der letzten Einstellung legt sich die Figur schließlich etwas unbeholfen an den Rand der Meeresbrandung, als hätte sie etwas fertiggestellt das sie seit langer Zeit beschäftigt hat. Rodriguez ruft hier noch einmal die für sie eng miteinander verbundenen Themen von Identität, Familie, Flucht und Heimatlosigkeit auf und verweist auf ihre parallele Existenz in einem gegenwärtigen Kontext.

Rosa Windt

With a series of seven short films in all, Leyla Rodriguez composes sequences of family and identity. In many cases, penetrating autobiographical and intimate shots are assembled, developing the character of moving collages. Ahistorical, multiply ambiguous, symbolically charged images suggest narratives that are ultimately left open. In this way, the films do not generate a stringent view of time or narrative, but in a kind of endless loop form variable interpretations and possibilities of entry. The relationship between nature, culture, ‘Heimat’ and ‘dépaysement’, comes across as a superordinate and recurring principle, generating the melancholy and yearning that overlie the films.

Leyla Rodriguez comes from a musical family. She grew up under the military dictatorship in Argentina that lasted from 1976 to 1983, and in 1984 she finally moved to Germany. Many of her relatives remain in Argentina, while others emigrated to the United States, Brazil and Australia, so that the once close-knit family has become dispersed. What remained was a feeling of lack of identity and a home for ever lost.

Various members of the family are musically integrated film by film, forming a focal point of the narrative without themselves appearing. In their place various shots of landscape, wild and domestic animals and Rodriguez herself – disguised as a hooded figure, as a hybrid between animal, human and textile – take on the role of abstract personifications. Old melodies, some composed by family members, are supplemented by new ones and back up the pictorial narratives. Sound sequences dominate the different scenes, linking them and becoming lead actors in their own right.

Much of the film material shows excerpts from the everyday life of the artist and creates a random, casual structure. In the expansion of often strange-looking images, aesthetic affinities arise between the images, creating a parallel world between order and disorder. The film medium alternates between photographic, pictorial and performative episodes and no clear categorization is possible.

The film series starts with The Separation Loop, dating from 2015, followed by Optimistic Cover, 2015, Supreme Presence, 2016, Interior Season 2017, Homeless, 2017, Hermetica, 2018 and the final film, completed 2018, Boom.

Mit einer Reihe von insgesamt sieben Kurz-Filmen entwirft Leyla Rodriguez Sequenzen von Familie und Identität. Vielfach werden dabei eindringliche autobiografische und intime Aufnahmen assembliert und entwickeln den Charakter bewegter Collagen. Ahistorische, mehrdeutige, skurrile Bilder, Musik und Charaktere suggerieren Narrative, die nicht eingelöst werden. Die Filme generieren so keine stringente Zeitauffassung oder Erzählung, sondern bilden in einer Art Endlosschleife variable Einstiegsmöglichkeiten und Lesarten. Als ein übergeordnetes und wiederkehrendes Prinzip erscheint dabei das Verhältnis von Natur, Kultur, Heimat und Heimatlosigkeit und erzeugt eine die Filme überlagernde Melancholie und Sehnsucht.

Leyla Rodriguez stammt aus einer Musikerfamilie. Sie wuchs während der von 1976 bis 1983 andauernden Militärdiktatur in Argentinien auf und immigrierte 1984 schließlich nach Deutschland. Während Teile der Familie in Argentinien verblieben, wanderten andere nach Amerika, Brasilien und Australien aus, und der ehemals enge Verbund verlor sich in kleinen Gruppen. Ein Gefühl der Identitätslosigkeit und einer für immer verlorenen Heimat blieb.

Verschiedene Mitglieder der Familie werden Film um Film musikalisch integriert und bilden einen Schwerpunkt der Erzählung, ohne dabei selbst in Erscheinung zu treten. An ihrer Stelle übernehmen verschiedene Aufnahmen von Landschaft, Wild- und Hausieren sowie Rodriguez selbst — verkleidet als vermummte Gestalt, als Hybrid zwischen Tier, Mensch und Textil — abstrakte Personifikationen. Alte Melodien, teils von Familienangehörigen komponiert, werden durch neue ergänzt und tragen die bildnerischen Erzählungen. Klangfolgen dominieren die verschiedenen Szenen, verknüpfen diese und werden zu Hauptakteuren.

Ein Großteil des filmischen Materials zeigt Ausschnitte aus dem Alltag der Künstlerin und entwirft eine vom Zufall geleitete, beiläufige Struktur. In der Erweiterung oft seltsam anmutender Aufnahmen, ergeben sich zwischen den Bildern ästhetische Verwandtschaften und erzeugen eine Parallelwelt zwischen Ordnung und Unordnung. Das Medium Film changiert dabei zwischen fotografischen, malerischen und performativen Episoden und verhindert eindeutige Kategorien.

Rosa Windt